El género dramático es la rama de la literatura que se escribe para ser representada ante un público. Su nombre viene del griego δρᾶν (drân), que significa «hacer, actuar», y esa idea lo resume todo: una obra dramática no se cuenta, se ejecuta. Frente a la narración, donde un narrador relata hechos ya ocurridos, en el teatro la historia sucede en presente y ante nuestros ojos: los personajes hablan entre sí, se mueven, discuten, ocultan secretos y resuelven (o no) sus problemas. Todo lo que sabemos lo sabemos porque un personaje lo dice, lo hace o se ve en escena. Su motor siempre es el conflicto, es decir, el choque entre un deseo y un obstáculo.

Lo que distingue al género dramático de los otros géneros es, en primer lugar, la ausencia de narrador: quien habla son los personajes. Su forma básica es el diálogo, es decir, el intercambio de réplicas, acompañado de las didascalias o acotaciones, que son las indicaciones del autor al equipo de escena (gestos, tono, entradas, vestuario, decorado) y que no se pronuncian. También aparecen el monólogo o soliloquio, mediante el cual un personaje expone sus pensamientos en voz alta, y el aparte, un comentario que, por convenio teatral, solo escucha el público. El texto puede estar en verso o en prosa, según la época y la intención del autor.

En cuanto a su organización, hay que distinguir dos planos. La estructura externa es la distribución material del texto en el papel: actos (grandes divisiones, tradicionalmente tres), escenas (cambian con la entrada o salida de un personaje) y cuadros (cambian con el decorado). La estructura interna es la organización de la acción: presentación (personajes, lugar y situación inicial), nudo o desarrollo (aparece y crece el conflicto) y desenlace (el conflicto se resuelve bien, mal o queda abierto). Dentro de esa secuencia se producen recursos de gran valor: el clímax o punto de giro, momento de máxima tensión; la peripecia, giro brusco que invierte el sentido de la acción; la anagnórisis, descubrimiento decisivo por parte de un personaje; y la catarsis, la purga emocional del espectador, que siente miedo y compasión y reflexiona al salir del teatro, efecto que Aristóteles atribuyó a la tragedia.

Los subgéneros se distinguen por tres criterios muy prácticos: quiénes son los personajes, qué tono tiene el conflicto y cómo termina. En la tragedia actúan nobles o héroes enfrentados al destino, el tono es serio y fatal y el final es catastrófico (Antígona, de Sófocles). En la comedia aparecen personas comunes o arquetipos como el avaro o el enamorado, el tono es ridículo y crítico de las costumbres y el final es feliz (El avaro, de Molière). El drama muestra personas comunes en un conflicto realista y emotivo, con final abierto o agridulce (La casa de Bernarda Alba, de Lorca). La tragicomedia combina lo grave y lo ligero y termina feliz (La dama duende, de Calderón). El auto sacramental es breve, religioso y alegórico, con personajes como la Fe o la Culpa (El gran teatro del mundo). La farsa, el entremés y el sainete son piezas muy breves, cómicas y exageradas, con tipos populares (El retablo de las maravillas, de Cervantes). Y el melodrama presenta personajes planos divididos entre buenos y malos, tono emotivo y exagerado, con música y final lacrimógeno o de justicia triunfante.